Dans une série spéciale, Le club audiovisuel se penche sur l’héritage de Warner Bros. 100 ans après la création du studio.

Los Angeles avait déjà établi en tant que capitale mondiale du cinéma en 1923. La construction venait de se terminer sur le panneau Hollywood (ou le panneau « Hollywoodland », comme il se lisait à l’époque), le showman Sid Grauman établissait une franchise d’exposition vitale avec une série de films élaborés. palaces et les trois grands studios – First National, Paramount Pictures et Metro-Goldwyn-Mayer – produisaient des films muets par dizaines.

En arrière-plan de cette scène naissante, quatre joueurs alors mineurs étaient sur le point de commencer leur propre histoire hollywoodienne. Le 4 avril 1923, les frères immigrants Harry, Sam, Albert et Jack Warnerles propriétaires d’un petit Rangée de la pauvreté studio, a obtenu un prêt initial de 50 000 $ d’un ami de la famille et a officiellement déposé une demande pour constituer sa société de production sous le nom de Warner Bros. Pictures, Inc.

Au cours des 100 prochaines années, le voyage de Warner Bros. sera rempli de réalisations remarquables, de drames substantiels en coulisses et du genre de rebondissements qui rivaliseraient avec les histoires à l’écran du studio. Les Warner construiraient l’un des empires médiatiques les plus puissants du monde, et leur studio exercerait une influence démesurée sur la culture populaire, produisant certains des films et personnages les plus emblématiques du grand écran. Voici un aperçu de certaines des contributions les plus importantes du studio légendaire et de la façon dont ces développements ont remodelé l’industrie du divertissement pour les décennies à venir.

Le chanteur de jazz fait un gros bruit

Bien que Warner Bros. ait eu quelques succès épars à l’ère du muet, ce n’est qu’en 1927, lorsque le studio a inauguré l’ère du son avec Le chanteur de jazz, que les frères ont revendiqué leur position parmi les grands garçons en tant que force de l’industrie. Mais avant que les Warner ne puissent profiter des fruits du hit d’Al Jolson, ils ont pris de gros risques financiers sur la technologie qui a propulsé la révolution sonore.

À la demande pressante de Sam, le plus expert techniquement des frères, le studio avait prévu une bonne pile d’argent pour acquérir le système audio Vitaphone de Western Electric. C’était un processus coûteux, impliquant l’enregistrement de disques sonores séparés, qui étaient ensuite lus sur un phonographe relié à un projecteur.

La première fonctionnalité majeure de Warner Bros. à utiliser cette technologie date de 1926. don Juan, réalisé par Ernst Lubitsch et mettant en vedette John Barrymore (il avait de la musique synchrone, mais pas de dialogue). Malgré la vente de salles, la production a fini par perdre de l’argent et a failli mettre le jeune studio en faillite. Heureusement, le succès était au coin de la rue, car Le chanteur de jazz a provoqué un changement sismique dans la production cinématographique qui a obligé le reste de l’industrie à rattraper son retard.

Warner Bros. a suivi avec plus de fonctionnalités sonores, y compris Lumières de New York, Le fou chanteur et La terreur. Bientôt, le studio gagnait tellement d’argent avec ses talkies-walkies qu’il a pu acheter une participation dans First National Pictures et finalement absorber entièrement le studio rival. Les frères ont alors jeté leur dévolu sur la prochaine grande avancée technologique : la couleur. Au début des années 1930, Warner Bros. produisait des comédies musicales tout en paroles, en chants et en couleurs comme Chercheurs d’or de Broadway, Le spectacle des spectacles, Lumière étincelantes, Chanson de la flammeet 42e rue. La plupart d’entre eux étaient des critiques musicales ou basés sur des spectacles de Broadway existants. Alors que la plupart des gens considèrent MGM comme le studio des premières comédies musicales à gros budget, Warner Bros. a presque rivalisé avec la production de MGM pendant cette période (bien qu’avec des budgets plus petits en raison du tristement célèbre penny pinching de Jack Warner). Après tout, ils avaient Busby Berkeley sous contrat.

Danseurs devant les studios Warner pendant le tournage de Gold Diggers de 1933

Danseurs devant les studios Warner pendant le tournage de Gold Diggers de 1933
Photo: Clé de voûte/Getty Images (Getty Images)

Gangsters et noir : Cagney, Bogart tracent une nouvelle voie

Contrairement à la révolution sonore, qui s’est pratiquement produite du jour au lendemain, il a fallu plus de temps pour que la couleur devienne la norme dans l’industrie cinématographique. Alors que les comédies musicales grandioses commençaient à se démoder auprès du public, la couleur aussi, qui était étroitement associée au genre. De nombreux studios, y compris Warner Bros., n’ont jamais abandonné les drames en noir et blanc et les tarifs plus granuleux (en partie parce que ces films étaient moins chers à réaliser) et ont continué à les diffuser aux côtés de productions couleur plus flashy jusque dans les années 1950.

Le studio était déjà bien adapté pour contre-programmer le monde lumineux et insouciant de ces premières comédies musicales avec des films plus sombres, plus violents et moralement complexes. Au cours des années 1930 et 1940, sous la direction de la production Daryl F. Zanuck, les films de gangsters et noirs deviendront le produit phare du studio. À ce jour, ces genres font partie intégrante de l’héritage du studio. Des films comme Petit César, L’ennemi publicet Argent intelligent ont été les premiers succès de Warner Bros., se connectant avec un public fasciné par les histoires du monde souterrain louche du crime organisé et des contrebandiers qui ont émergé à l’époque de la prohibition (qui n’a pris fin qu’en 1933). Ils ont fait d’énormes stars d’Edward G. Robinson, James Cagney et Paul Muni.

L’impact de ces films a diminué avec l’introduction du code Hays en 1934, qui limitait considérablement le type de matériel qu’Hollywood pouvait inclure dans ses films, selon ce que les censeurs de l’industrie considéraient comme acceptable. Warner Bros. a continué à produire des films de gangsters, bien que la violence et la criminalité aient été réduites à des niveaux acceptables. Parmi ceux-ci se trouvait La forêt pétrifiée, avec Leslie Howard, Bette Davis et Humphrey Bogart, dans son premier rôle principal. Davis était un grand nom parmi l’écurie d’acteurs sous contrat de Warner à l’époque, qui comprenait également Errol Flynn, Barbara Stanwyck et Lauren Bacall. Mais c’était Bogart, star de classiques noirs bien-aimés comme Le faucon maltais, Casablancaet Le grand sommeil– qui deviendrait éventuellement l’une des stars les plus précieuses du studio et l’une des icônes hollywoodiennes les plus reconnaissables de tous les temps.

Looney Tunes : l’animation vers de nouveaux sommets

Bien sûr, nous ne pouvons pas parler de Warner Bros. sans mentionner une autre icône reconnaissable : Bugs Bunny. Tout comme Mickey Mouse est reconnu comme la mascotte de Walt Disney, Bugs est le porte-parole de Warner Bros. Cependant, il n’a pas commencé de cette façon. Warner Bros. avait initialement engagé un studio d’animation extérieur, Leon Schlesinger Productions, pour créer des dessins animés à jouer avant leurs longs métrages. Schlesinger et son équipe ont produit le Merrie Melodies et Looney Tunes série de dessins animés du début des années 1930 à 1944, lorsque le studio a officiellement racheté la société et l’a renommée Warner Bros. Cartoons.

Elmer Fudd et Bugs Bunny dans

Elmer Fudd et Bugs Bunny dans « Hole »
Image: Animation Warner Bros.

Parmi les réalisateurs qui ont commencé avec Schlesinger et qui ont fini par travailler directement pour Warner Bros., il y avait des noms familiers comme Friz Freleng, Tex Avery et Chuck Jones. Leur premier personnage d’évasion était en fait Porky Pig, qui a fait sa première apparition dans le court métrage « I Haven’t Got A Hat » de 1935. Il a été suivi par Daffy Duck, Elmer Fudd et plus tard Bugs Bunny dans « A Wild Hare », sorti en 1940. En 1942, le studio de Schlesinger avait plus de succès que même la célèbre division d’animation de Walt Disney. Il n’est pas étonnant que Warner Bros. s’y soit intéressé et l’ait finalement acquis. Mais selon la plupart des témoignages, ils ne savaient pas ce qu’ils avaient. Les premières années de Bugs and Company sous la supervision de Warner Bros. sont pleines d’histoires de négligence et de limitations budgétaires.

Malgré ces luttes, les animateurs ont continué à se brancher, créant encore plus de personnages comme Tweety Bird, Wile E. Coyote et Yosemite Sam, et produisant ce qui est devenu considéré comme des œuvres importantes sur le plan artistique et historique sous les bannières Looney Tunes et Merrie Melodies. Au moment où la division d’animation a été fermée en 1963 (elle a rouvert en 1967), elle avait valu au studio 22 nominations aux Oscars pour le meilleur court métrage, en remportant cinq d’entre elles. Quatre courts métrages Looney Tunes ont été inclus dans le National Film Registry : Porky dans Wackyland (1938), Amuck de canard (1953), Un soir de grenouille (1955), et C’est quoi Opéra, Doc ? (1957). Même maintenant, le studio continue de tirer le meilleur parti de ces personnages dans de nouveaux spectacles, films, jeux, livres, produits dérivés, attractions de parcs à thème, etc. De toutes les stars issues de l’écurie Warner Bros., Bugs Bunny pourrait bien être la plus grande. Il a certainement été le plus lucratif.

Super-héros en vol : battre Marvel au poing

En parlant de personnages nés de la plume et de l’encre, une autre grande partie de l’histoire de Warner Bros. est l’association étroite de la société avec DC Comics. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, le studio a changé de mains à plusieurs reprises, pour finalement se retrouver sous la propriété de la Kinney National Company en 1969. À peine deux ans plus tôt, Kinney avait acheté National Periodical Publications, qui deviendrait plus tard DC Comics, apportant le studio et l’éditeur sous la même ombrelle corporative.

Superman (dans les années 1950) et Batman (dans les années 1960) avaient tous deux été diffusés à la télévision avant la fusion, mais ce n’est qu’en 1978 que Warner Bros. a commencé à tirer parti des personnages de bandes dessinées sous sa direction. contrôle. de Richard Donner Superman : le filmmettant en vedette Christopher Reeve dans le rôle de l’homme d’acier, a amené le personnage sur grand écran d’une manière que personne n’avait jamais vue auparavant.

Avec une histoire de Parrain l’auteur Mario Puzo et un camée de Don Corleone lui-même, Marlon Brando, le film a élevé (si vous pardonnez le jeu de mots) son matériel source pour plaire à un public grand public de tous âges. Au moment de sa sortie, c’était l’une des productions les plus chères de l’histoire d’Hollywood. Le pari a payé; Superman a été un succès auprès du public et des critiques, établissant des records au box-office et réalisant de beaux bénéfices pour Warner Bros. Three Superman des suites ont été produites au cours de la prochaine décennie, mais il n’y avait pas beaucoup de pression pour amener d’autres personnages de DC sur grand écran. Du moins, pas avant l’arrivée de Tim Burton.

Michael Keaton dans Batman

Michael Keaton dans Batman
Photo: Images de Warner Bros.

La version sombre et stylisée de Burton Homme chauve-souris en 1989 avec Michael Keaton est crédité d’avoir lancé le genre de super-héros moderne tel que nous le connaissons aujourd’hui. Sa Batmobile a ouvert une voie que des réalisateurs comme Zack Snyder et Christopher Nolan parcourent encore. Tout comme aux débuts du son, Warner Bros. avait une longueur d’avance sur ses concurrents avant que le reste de l’industrie du divertissement ne commence à comprendre que les super-héros étaient une aubaine au box-office. Avec Keaton enfilant à nouveau le capot dans la prochaine sortie de super-héros du studio, Le flashon a l’impression que la boucle est bouclée.

Après tout ce succès, face à un avenir incertain

Warner Bros. est peut-être arrivé le premier en ce qui concerne les super-héros, mais le studio a depuis longtemps cédé le leadership dans l’espace aux studios Marvel de Disney. Alors que l’empreinte DC de Warner a produit des résultats constamment incohérents ces dernières années, Marvel a produit coup après coup. Cette situation pourrait changer avec l’arrivée à DC de l’ancien prodige de Marvel James Gunnqui devrait également bénéficier des signes indiquant que la couronne de Marvel pourrait glisser.

Bien sûr, échouer dans le concours de super-héros n’est qu’un des nombreux défis auxquels Warner Bros. est confronté. Le studio a connu sa part de réinventions au cours du siècle dernier, mais les trois dernières décennies ont été particulièrement tumultueuses pour l’entreprise. Une série de fusions et d’acquisitions l’a vu tomber entre les mains d’entreprises comme AOL, AT&T et maintenant Discovery, toutes avec des visions et des styles de leadership différents. Le PDG actuel, David Zaslov, a été largement critiqué pour ses mesures impopulaires visant à réduire les coûts, un peu comme le type de resserrement de la ceinture auquel Jack Warner s’est lui-même engagé lorsqu’il était aux commandes. Tout le monde le détestaitaussi.

Quoi qu’il arrive ensuite pour le studio, cependant, nous aurons toujours Paris, euh, Casablanca. Et Le chanteur de jazz. Et Un tramway nommé Désir; Une orange mécanique ; L’Exorciste; Quand Harry rencontre Sally; La matrice; et Le Chevalier Noir. Et qui sait, peut-être pourrions-nous ajouter Barbie à cette liste bientôt aussi.