La compositrice de « Inside Out 2 » révèle son influence sur Taylor Swift

À l’envers 2 est une histoire de sentiments. Il explique comment nos émotions peuvent changer qui nous sommes en tant que personnes et comment nous devons équilibrer correctement ce spectre au lieu d’embouteiller ces sentiments à l’intérieur. Les films, en général, sont aussi une question de sentiments. La scène d’ouverture de En hautAndy est au revoir dans Toy Story 3et le nouveau sens de la vie dans Mur-E sont des moments incroyables qui nous marquent plus d’une décennie plus tard. La réalisation d’un film implique beaucoup de choses, mais l’un des plus importants est la musique du film. La musique, comme les films, est intrinsèquement émotionnelle. Qu’il s’agisse d’un rythme qui vous prépare à aller à la salle de sport ou d’un lofi qui vous aide à vous détendre, la musique a un effet énorme sur nous.

S’assurer que nous ressentons des émotions telles que la joie, la tristesse et le dégoût tout en en introduisant de nouvelles comme l’anxiété est une tâche ardue. Comment pouvez-vous conserver l’identité de À l’enversla partition de (réalisée à l’origine par Michel Giacchino) tout en veillant à ce que le son évolue aux côtés de Riley ? Ce ne sont là que quelques défis que le compositeur Andrea Datzman rencontré en travaillant sur ce film. Dans cette interview, nous avons eu une longue conversation sur la réalisation de À l’envers 2l’incroyable partition de, l’équilibre entre le rock et les sons orchestraux, et entrer dans l’histoire en tant que première compositrice à travailler sur un long métrage Pixar.

À l’envers 2

Suivez Riley, dans son adolescence, à la rencontre de nouvelles émotions.

Date de sortie

14 juin 2024

Directeur

Kelsey Mann

Écrivains

Meg LeFauve

Studio(s)

Studios d’animation Pixar

Distributeur(s)

Disney

Développer

Les différences entre les films télévisés et les films de cinéma

MIKE THOMAS : Je voulais vous parler de ce film parce que c’est votre premier long métrage en 12 ans, je veux dire ?

ANDREA DATZMAN : C’est vrai. Mon premier long métrage en salles [as composer].

À quoi ressemblait cette expérience et quel a été son impact À l’envers 2? Je sais que tu as travaillé sur le premier.

DATZMAN : J’ai travaillé sur de nombreux films à différents titres, ce fut donc un changement facile pour moi. Après avoir travaillé à la télévision pendant des années, je me suis mis dans des chaussures très confortables. Vous acquérez des compétences assez étonnantes en travaillant rapidement et succinctement lorsque vous travaillez sur une émission de télévision hebdomadaire. C’est : « Qu’est-ce qui est le plus important ? De quoi pouvons-nous tirer le plus d’impact émotionnel ? Qu’est-ce qui est important pour vous en termes de spécificité narrative ? Et laissez tout le reste disparaître. Lorsque vous transférez cela sur ce support de fonctionnalités, c’est un rythme merveilleux, pas tranquille. – Je voudrais pas dis ça [laughs] – mais la quantité de subtilité avec laquelle j’ai pu passer du temps à jouer, c’était merveilleux parce que cela m’a permis d’être très nuancé de différentes manières avec lesquelles je me suis beaucoup amusé parce qu’alors vous créez cette énorme bibliothèque de choses que vous pouvez jouer avec de différentes manières.

Je suis sûr qu’avoir un peu plus de temps vous permet d’être beaucoup plus créatif que la télévision.

DATZMAN : Absolument. Et la fin pour cela aussi. J’aime passer du temps à jouer avec mes thèmes à l’avance, à voir ce qu’ils peuvent faire de différentes manières lorsque vous les lancez dans différents contextes, comme : « Oh, cela fonctionne en fait comme un petit extrait ici, et je peux le prendre et le retourner. il est sur le côté.

Comment la croissance de Riley change l’approche de « Inside Out 2 »

Je voulais parler de vous qui avez créé ces thèmes parce que vous arrivez À l’envers 2, et on sait que Michael Giacchino a réalisé le premier film. Était-ce difficile d’essayer de trouver cet équilibre entre conserver ce qu’il a déjà créé et ce son caractéristique du premier film tout en y insufflant votre propre voix ?

DATZMAN : Non, j’ai eu la meilleure expérience avec ça. Michael est avant tout un conteur, c’est sa première priorité. Donc, en cela, il s’agissait d’utiliser ce thème original, d’utiliser ce style original là où il est approprié pour l’histoire, puis partout ailleurs de le regarder sous un angle nouveau. Nous avons beaucoup collaboré. Il comprend très bien mon instinct et mon style, tout comme moi, donc il avait beaucoup de confiance et il était impatient de comprendre et de savoir où j’irais avec cela. Je pense que vous enfilez ce genre de costume musical lorsque vous décidez d’aller dans n’importe quel monde et que vous vous promenez dans celui-ci. Donc, j’en ai mis un peu, mais le paysage a changé à Riley, donc cela ne m’a pas obligé de rester là-bas. J’ai été encouragé à le faire et j’ai immédiatement trouvé l’inspiration pour dire : « D’accord, Riley est sur la glace et pourrait se faire jeter et gifler. » Le hockey, ça fait peur ! Doncil s’agissait d’obtenir un son très viscéral, puis de comprendre ce que cela signifiait en termes de musique avec une batterie lourde, puis de devenir vraiment spécifique à chaque hit., donc on avait vraiment l’impression qu’elle allait trébucher. Mais il y avait aussi beaucoup de terrain fertile pour de nouveaux thèmes où je n’aurais pas pu utiliser le thème original ici, ou si je l’avais fait, il aurait perdu son impact là où il méritait vraiment d’être, ce qui, pour moi, il est devenu évident que c’est le thème de Joy et Riley ensemble, cette connexion où Joy contrôle la joie la plus joyeuse. [Laughs]

Je suis heureux que vous ayez mentionné que les choses ont changé. Riley est plus âgée et elle a de nouvelles émotions, alors à quel point était-ce amusant de créer de nouveaux thèmes autour de l’anxiété et de ces nouveaux personnages qui sont introduits et comment cela change les choses ?

DATZMAN : Un personnage interne est vraiment Riley. C’est le sens de soi, c’est le sens de soi de Riley et ses convictions fondamentales. C’était le premier qui me paraissait très important, très tendre et qui avait la capacité de passer partout. Ce sentiment de soi, qui donne alors naissance à ce genre de thème central, ou dans sa vision principale, et ensuite le sentiment que le sentiment de soi est constitué de croyances fondamentales. Donc, en décomposant cela également en thème principal des croyances, lorsque vous l’écoutez, vous obtenez cette chose succincte, mais ensuite lorsque vous écoutez le thème principal des croyances, chaque partie en est de différentes manières. Ensuite, cela peut être utilisé tout au long du film de manière évolutive, car ses croyances fondamentales sont toutes bouleversées là-bas et s’imprègnent, pour le meilleur ou pour le pire, de toutes les parties d’elle.

Faire ressentir la présence de l’anxiété

Mais ce motif perdure à chaque fois.

DATZMAN : Oui, et c’est sous ces différentes formes décomposées. Et puis, pour chacune des nouvelles émotions, je voulais vraiment que ce soit comme un sentiment sentiment. J’ai grandi en dansant, pas bien, mais cela faisait partie de ma première éducation musicale. Donc, quand j’écris, souvent si je suis coincé, je me dis vraiment : « Très bien, à quoi ressemble cette scène ? À quoi ressemble cette émotion ? Donc, quelqu’un comme Ennui était en fait difficile parce qu’Ennui se dit : « Je m’en fiche. Je ne veux pas. [Laughs] Donc, j’ai vraiment dû me pousser pour faire celui-là.

Mais l’anxiété avait l’impression de me dire ce que c’était. C’était quelque chose qui vous zappe, qui attire votre attention puis la retient, n’est-ce pas ? Comme une tape sur l’épaule de différentes manières. « Hé, hé, hé, hé, hé, hé », puis c’est plutôt gentil de vous convaincre d’y croire encore et encore et encore, de toutes ces différentes manières. C’est devenu très polyvalent, tout comme l’anxiété, n’est-ce pas ? Il se présente sous toutes ces formes différentes et vous incite à l’écouter de différentes manières. Parfois c’est militariste, parfois c’est vraiment subtil, et d’une manière qui s’harmonise avec d’autres choses. Cela s’est très bien prêté au point culminant où j’ai pu le décomposer et laisser ce sens d’alarme activé, cette note répétée, jouée encore et encore. Et puis j’ai fait passer cela à travers un tas de processeurs d’effets différents, donc tout ce qui y est joué n’est que cela, et puis cela a traversé toutes ces différentes choses, donc ça sonne comme un fil électrique qui s’éteint ou se répercute sur lui-même. C’est très obsédant, et puis vous obtenez une déclaration intérieure et vulnérable de ce que l’anxiété essaie vraiment de dire sur ce piano pincé de cette manière où vous vous dites simplement : « Oh mon Dieu, je peux dire à quel point elle s’en soucie et à quel point elle se soucie. je viens de le perdre !

C’est très efficace parce que je me sentais en train de regarder ce film, et j’ai senti mon cœur s’emballer, puis je l’ai senti ralentir à mesure que la musique et la scène se terminaient. C’était intense, donc très efficace.

DATZMAN : C’était difficile de regarder ça. À un moment donné, j’ai pensé à leur demander de m’envoyer une part sans regarder Riley se frapper à la tête parce que c’était tout simplement déchirant. C’était comme : « Oh, chérie, non ! » Et le rythme cardiaque s’accélérant, cela a causé beaucoup de choses.

J’avais presque l’impression de faire moi-même une crise de panique. Voilà à quel point c’était efficace.

DATZMAN : Je suis désolé parce que je l’ai fait pendant que je l’écrivais. Comme un bon vieux deux jours. Donc, cela s’est traduit. Mais je sentais aussi que j’avais une grande responsabilité là-dedans, qu’ils pouvaient me dire que c’était trop intense, mais qu’il fallait que je commence par être très authentique. À ce moment-là, je n’y pensais pas intellectuellement de la manière dont je viens de le décrire comme étant en panne. C’était juste comme : « Non, c’est juste comme ça ! » Nous pouvons devenir plus intellectuels sur les choses qui nous inquiétaient plus tôt plus tard, mais au moment où vous sont figé comme ça, c’est juste le message qui passe qui est totalement déformé, et vous êtes figé.

Les changements d’identité musicale

Je voulais vous parler des différents types de musique que vous utilisez dans ce film. Bien sûr, nous avons les thèmes orchestraux que vous utilisez, mais nous avons aussi beaucoup d’alt-rock et de punk dans ce film. Comment était-ce de créer le son autour de tout cela parce que vous aviez beaucoup d’outils différents à votre disposition, et cela rendait vraiment l’intérieur et l’extérieur de l’esprit de Riley très distincts ?

DATZMAN : J’avais besoin de ressentir un sentiment d’enjeu physique parce que le hockey est intense. Ainsi, pendant que je réfléchissais d’abord à la façon de le faire, et lorsque j’ai regardé le film pour la première fois, le réalisateur a dit : « Nous voulons que cela frappe Pixar, du genre : « Ce n’est pas ce à quoi vous vous attendiez ». J’ai ce joli thème, et « Oh, nous retournons dans le monde de Riley, et… Que se passe-t-il ? Attends quoi? » Donc, mettre ce smash dans un solo de guitare dur, c’était comme : « Nous allons ailleurs en ce moment. Le décor a changé.

Alors que je réfléchissais à la manière de procéder, je suis allé faire du roller l’été dernier à ce parc de skate mensuel à Burbank. Ils en ont fait un à thème, et c’était Barbie contre Barbed Wire. [Laughs] Nous nous sommes tous habillés. C’était tellement drôle. Le DJ était génial. Alors que j’étais là en train de skater, et je ne l’avais pas fait depuis des années, et que j’essaie de ne pas tomber, le DJ joue des trucs qui me rappellent le roller derby. Non pas que j’ai passé beaucoup de temps à y jouer moi-même, mais j’en ai regardé beaucoup et j’ai des cousins ​​qui sont géniaux dans ce domaine, et c’est une sorte de spin-out et de choses qui se font mal. La sensation que mon corps ressentait lorsque je tournais en rond était du genre : « C’est comme si tu volais », surtout quand tu fais fonctionner ces tambours rockabilly. J’ai donc été très précis sur la façon dont je voulais que les coups de batterie fonctionnent.

Il y a ce terme quand vous notez quelque chose et que vous devenez vraiment précis imitant à quoi ressemble l’action sur l’écran appelé Mickey Mouse. Carl Stalling a fait beaucoup de ça en Looney Tunesfrappant les choses de manière très spécifique, et je me suis vraiment amusé à faire ça sur ce point. Je l’ai fait assez souvent dans cette première scène avec la batterie où, lorsque je l’écrivais dans la démo, j’étais très précis sur la destination de chaque hit, donc j’avais l’impression qu’elle allait trébucher. Ensuite, j’ai montré cette scène au batteur et j’ai dit : « Très bien, donc ça en plus l’amplifie. Perdez encore plus le contrôle. Faites-le pivoter davantage pour avoir vraiment l’impression qu’elle pourrait s’écraser contre le mur. Tout cela donnait l’impression qu’il y avait un sentiment d’enjeu, mais il y avait aussi un sentiment de posture, comme pomper, amplifier la musique.

Encore une fois, c’est très efficace car, comme vous l’avez dit, ce moment d’ouverture vous frappe tout de suite. Je pense que cela aide beaucoup à recontextualiser le film où l’on dit : « Oui, Riley est en train de devenir une personne différente de celle que nous avions vue pour la dernière fois. » C’est très évident. Et le score aussi, une fois que nous nous retirons dans son esprit, nous voyons la démolition et de nouvelles émotions apparaître, et c’est comme : « D’accord, nous sommes sur le point de démarrer. J’ai hâte de voir où cela mène.

DATZMAN : Je suis content. Génial!

À la surprise de personne, Riley est un Swiftie

Avec les influences alt-rock et punk, avez-vous pensé quel serait le groupe préféré de Riley ?

DATZMAN : Oh, ouais. Je faisais définitivement ça. Déjà, j’aime les musiques de films, j’aime écouter des musiques de films, mais j’écoute beaucoup de musiques différentes. Ma playlist n’est pas entièrement classique et ce n’est pas tout. Et ainsi, Je pensais: « Eh bien, elle aime probablement Olivia Rodrigo. » Peut-être pas à ce moment-là puisque Get Up and Glow est son groupe préféré dès le début. C’est peut-être un peu plus un groupe de filles. Je vais trop sortir avec moi-même si je dis l’un des groupes de filles auxquels je pense. [Laughs] Mais je pensais à Olivia Rodrigo et Taylor Swift et à certaines d’entre elles. J’ai une nièce de 14 ans et je restais avec elle tout le temps en train de lui demander : « Qu’est-ce que tu aimes en ce moment ? Quoi de neuf? »

C’est en fait très intelligent.

DATZMAN : Mais le problème, c’est qu’elle me répondrait comme Ennui. Elle disait : « Je ne sais pas, ça va. Toute musique est bonne. Je m’en fiche. » [Laughs] « Merci. Utile! »

Eh bien, pour ce que ça vaut, vous ne pouvez pas vous tromper avec Olivia Rodrigo et Taylor Swift.

DATZMAN : Vous savez, ce que j’en ai retiré, ce sont les excellentes techniques de mixage qui permettent de vraiment large un son de basse et des aigus aigus, comme des aigus brillants, qui donnent l’impression de laisser autant de place à une expérience émotionnelle au milieu, je suppose.

Le poids d’écrire l’histoire chez Pixar

Je voulais vous poser des questions sur votre collaboration avec Pixar et sur le fait de devenir la première femme à réaliser la musique d’un long métrage Pixar. Avez-vous ressenti la pression de cela, ou était-ce juste une autre journée au bureau pour vous ?

DATZMAN : Ce qui est merveilleux, c’est que je n’y avais même pas pensé. J’ai de la chance pour ça, mais je suppose que je n’en ai pas ressenti la pression. Ce que je pense toujours, c’est qu’il faut trouver la bonne personne pour le poste, et je me sentais particulièrement qualifié pour ce poste, après avoir travaillé sur le premier film et beaucoup travaillé avec Pixar. Je me sentais vraiment connecté avec [director] Kelsey [Mann]. Nous formions un très bon duo et nous allions faire quelque chose ensemble dont il serait vraiment heureux. J’avais l’impression que je pouvais aider à traduire cela. Donc c’était une priorité pour moi. Si je n’avais pas l’impression qu’il y avait une bonne connexion avec Kelsey, j’aurais l’impression que je ne suis pas la bonne personne pour cela.

Mais cela a fini par signifier beaucoup pour moi parce que, comme je l’ai dit, vous voulez la bonne personne pour le poste. Plus nous pouvons avoir de diversité parmi ceux qui racontent des histoires, plus il y aura de gens qui seront inspirés à penser qu’ils peuvent entrer dans ce domaine et se sentir bien et avoir le sentiment que ce n’est pas seulement un passage obligé. Comme, Si je peux représenter un travail acharné qui ressemble à ceci et un plaisir qui ressemble à cela et qui incite quelqu’un à venir, cela me rend vraiment heureux. Je ne me prenais pas du tout au sérieux en tant que compositeur quand j’étais jeune. C’était peut-être une affaire de petite ville, mais il n’y avait pas beaucoup de modèles pour moi. Ce n’est que lorsque je suis entré à l’université. Et je ne pensais pas que j’allais devenir compositeur. Je pensais que j’allais faire des études de piano, et il s’est avéré que je n’étais pas très doué en piano. Ma technique était mauvaise parce que j’allais m’entraîner et écrire, et je ne m’en étais tout simplement pas attribué le mérite. Alors, dès que j’étais à l’université et dans un cours de composition, ils m’ont dit : « Eh bien, vous êtes dans la majeure, n’est-ce pas ? Parce que vous êtes clairement un compositeur et que vous écrivez beaucoup. C’était comme, « Oh. Oh! » Je pense donc que plus nous pouvons apporter de voix et d’expériences, plus nous pouvons inspirer de personnes, et nous obtiendrons alors des histoires de plus en plus meilleures.

Je dirai, Andrea, tu es une source d’inspiration. Je veux dire, tu viens de réaliser un film à un milliard de dollars. C’est pour le moins impressionnant.

DATZMAN : Et inattendu. [Laughs] Vous espérez simplement que vous serez capable de faire en sorte que quelqu’un se connecte à quelque chose, et que cela se passe bien ainsi, c’est inattendu et inspirant, car il peut être si facile de se laisser entraîner dans la peur de tout ce qui se passe et qui fait la une des journaux tout le temps. temps. Le message de ce film représente vraiment le bien, les gentils, et les gentils sont simplement de la compassion pour nous-mêmes, une communication positive et un développement personnel sain. Pour moi, avoir ces gros titres est une façon de dire au monde : « La positivité et une bonne narration, soutenir les artistes peuvent gagner, et cela vaut la peine d’investir notre temps et notre argent », ce qui est également très important pour une entreprise comme Pixar, qui est incroyable dans la façon dont ils soutiennent leurs artistes. Disney et Pixar le font comme peu de gens le font, et le fait qu’ils vivent cette expérience positive, je pense, sera, je l’espère, une grande source d’inspiration pour davantage de modèles d’entreprises et de conteurs.

À l’envers 2 est dans les salles du monde entier.

Procurez-vous des billets