Le réalisateur Francis Lawrence embrasse son Barry Sonnenfeld intérieur avec le spectacle très stylisé de Slumberland. Pourtant, il y a une réticence surprenante à s’accrocher à l’étendue de l’émotion qui se cache derrière le sens de l’émerveillement de sa photo. Même avec une durée de lecture allongée qui sape son impact thématique et teste la patience du public, il s’agit peut-être de la meilleure adaptation à ce jour de la bande dessinée de Winsor McCay. Petit Nemo dans Slumberland. Là encore, cette barre a été placée bas depuis le long métrage d’animation de 1989 Little Nemo : Aventures dans le pays du sommeil de même n’a pas réussi à puiser dans le véritable pouvoir du conte.
Nemo (Marlow Barkley), 11 ans, vit avec son père veuf et attentionné Peter (Kyle Chandler) sur une île isolée quelque part au large de la côte nord. Ils passent leurs journées à naviguer, à cuisiner et à s’occuper de leur phare. Il l’endort chaque nuit avec de grandes histoires de chasse au trésor et d’aventures avec son meilleur ami Flip (Jason Momoa) – un coquin habillé comme un bonimenteur de carnaval bohème avec des cornes de bélier, de longs cheveux filandreux et des crocs pour les dents. Une nuit orageuse après avoir raconté l’une de ces histoires palpitantes au coucher, son père meurt lors d’un appel de secours sur les mers tumultueuses.
Nemo, désormais orpheline, est envoyée vivre avec son oncle Philip (Chris O’Dowd), un bourreau de travail dont elle est séparée, qui a du mal à s’identifier à sa nouvelle charge. Après un jour cauchemardesque après l’autre, ses rêves deviennent une évasion où elle aspire à retrouver son père. Au lieu de cela, ils la guident sur un chemin perfide impliquant une carte pour exaucer les vœux, et encore une fois, l’ami de son père, Flip, qui a perdu la mémoire. Pendant ce temps, un agent du bureau dur à cuire (Weruche Opia) et un monstre de fumée d’un autre monde les poursuivent, menaçant de faire dérailler leur mission.
Porté par les performances élevées de Barkley et Momoa, le scénario de David Guion et Michael Handelman gère avec agilité à la fois les conventions entre copains flics et road trip qui frappent des rythmes prévisibles avec charme et astuce. Barkley livre un travail à cœur ouvert, dévoilant des facettes cachées des énigmes de son personnage. Momoa montre un cadeau pour une large comédie, livrant sans crainte un fanfaron maladroit et doux. Des scénarios de rêve, se déroulant dans des mondes loufoques où un bambin sportif pompadour conduit un camion à ordures et un fan de hockey chevauche une oie géante à travers des montagnes enneigées, deviennent des décors où les acteurs se déchaînent, mettant en valeur leur chimie.
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La partition de Pinar Toprak canalise l’esprit thématique et la fantaisie, se sentant ludique et poignant, planant et sentimental, révélateur et ingénieux. La cinématographie enchanteresse de Jo Willems pousse une échelle et une palette de couleurs saturées, éclatantes de vie, capturant des états de rêve florissants comme le pop art. Combiné avec la conception de la production de Dominic Watkins et la conception des costumes de Trish Summerville, il devient une somptueuse symphonie dans ces environnements vibrants, empruntant l’aspiration esthétique de personnes comme Pousser des marguerites et Hommes en noir pour augmenter la bande passante tonale et la portée sentimentale de l’image.
Alors que les séquences de rêve semblent absolument spectaculaires (grâce au travail soigné du superviseur des effets visuels Adrian De Wet), les cinéastes se montrent plus conservateurs avec le récit lui-même. Bien qu’ils soient esclaves des règles en termes d’univers, les rappelant continuellement au public chaque fois que possible, ce sont des rêves dont nous parlons – et avec cela viennent des dimensions qui sont difformes, indisciplinées ou difficiles à manier. Par conséquent, ces séquences sont plus cohérentes que folles, faisant parfois des clins d’œil conscients à leurs connotations psychologiques de manuel, et laissant le public aspirer à des paramètres plus imaginatifs. Ils ne peuvent pas ébranler une qualité superficielle «insérez la poursuite ou la perturbation ici» plutôt que d’évoquer la spontanéité ravissante des rêves réels.
La motivation évocatrice de l’image est encore émoussée par sa durée de près de deux heures. Le monde éveillé et le monde onirique se mélangent mal à l’aise dans les tentatives du film d’équilibrer les enjeux émotionnels réels avec les enjeux physiques surréalistes. Il est ironique que les personnages luttent avec les complexités de la vie tandis que les cinéastes eux-mêmes luttent avec le pouvoir émotionnel de leur matériel. Cela ne veut pas dire que les aspects déchirants et réconfortants ne sont pas là. Ils le sont assurément, car une grande partie de l’intrigue comporte une forte composante sentimentale, encore amplifiée puisque cela arrive à un enfant sans défense et à son oncle non amarré. Malheureusement, il s’avère modéré alors qu’il devrait être brûlant.
Slumberland ne marche pas à la légère en matière de symbolisme et d’allégorie; le phare et le calmar de smog comme métaphores de la parentalité et du chagrin, respectivement, sont évidents. Mais son esprit rebelle étonnamment attachant et ses messages anti-establishment (de l’éducation non conventionnelle de Nemo à la position provocante de Flip sur les flics) ressortent clairement. Ces notions, ainsi que les mécanismes d’adaptation dont elles parlent, sont intelligemment conçus et résonnent à la fois pour les enfants et les adultes. Jouant comme un amalgame de Monsters Inc. et Créationce fantasme familial n’endort heureusement pas le public, mais il ne nous entraîne pas non plus dans sa sensation de rêve.
Jeanne est une journaliste de 27 ans qui se passionne pour le cinéma et la culture pop. Elle adore dévorer des séries Netflix et se tenir au courant des dernières news sur les célébrités du moment. Jeanne a toujours été intéressée par l’écriture, et elle aime travailler comme journaliste car cela lui permet de partager sa passion pour la narration avec les autres.