(de gauche à droite) Gary Oldman et Harrison Ford dans Air Force One (Sony Pictures) ;  Barret Oliver dans L'histoire sans fin (Warner Bros.) ;  et Clint Eastwood dans Dans la ligne de mire (Columbia Pictures).

(de gauche à droite) Gary Oldman et Harrison Ford dans Air Force One (Photos Sony); Barret Oliver dans L’histoire sans fin (Warner Bros.); et Clint Eastwood dans Dans la ligne de feu (Photos Colombie).
Image: Todd Gilchrist/Sony Pictures ; Warner Bros.; Photos de Colombie

Hollywood regorge de réalisateurs qui flippent d’une mission à l’autre, laissant leur marque au box-office – et plus tard sur la programmation par câble et en streaming – pour être ignorés lorsque la conversation se tourne vers des grands comme Spielberg ou Scorsese. Wolfgang Petersen était l’un de ces administrateurs. Dans le sillage de son décès le 12 août à l’âge de 81 ansretour sur son travail, d’un tour nominé aux Oscars avec Le bateau à l’extravagance du pop-corn Air Force Onerévèle des titres qui résonnent longtemps après le générique de fin.

Petersen était le type de cinéaste qui fait l’expression souvent hyperbolique « ce réalisateur peut faire n’importe quoi” en fait sonner vrai. De la science-fiction graveleuse des années 80 comme Mine ennemieaux thrillers ancrés des années 90 tels que Épidémie et Dans la ligne de feu, la série de succès mémorables du réalisateur allemand à l’apogée du blockbuster hollywoodien prouve que presque rien n’était hors de sa portée en tant que conteur. (Je veux dire, le gars a fait d’un raz de marée CG une star dans les années 2000 La tempête parfaitele plus gros succès financier de sa carrière).

Le début des années 2000 a apparemment servi de retraite pour le réalisateur, après le spectacle inégal de 2004 Troie (sa première période épique) et le remake du film catastrophe de 2006 Poséidon. Mais sa filmographie par ailleurs impressionnante montre un cinéaste qui excellait à livrer des histoires captivantes à un public de masse sur des personnages compliqués. Les cinq films énumérés ci-dessous renforcent à quel point Petersen était polyvalent en tant que réalisateur.


La conséquence (1977)

(de gauche à droite) Ernst Hannawald et Jürgen Prochnow dans The Consequence de Wolfgang Petersen.

(de gauche à droite) Ernst Hannawald et Jürgen Prochnow dans Wolfgang Petersen’s La conséquence.
Image: Film Solaris

Sans doute le film le plus sous-estimé de Petersen (et certainement l’un de ses plus sous-vus), La conséquence (ou La conséquence dans son Allemagne natale) est un morceau noir et blanc, émotionnellement brut, du cinéma LGBTQIA +. Basé sur le roman autobiographique du même nom d’Alexander Ziegler en 1975, l’adaptation émouvante de Petersen est centrée sur l’amour d’un prisonnier gay pour le fils cadet de son gardien et l’homophobie qu’ils endurent dans un monde qui n’acceptera pas leur relation. Sorti à l’origine en tant que téléfilm en Allemagne de l’Ouest, La conséquence présente ce qui allait devenir l’un des traits caractéristiques de Petersen : trouver les rythmes les plus émotionnellement honnêtes de l’histoire et les laisser briller.

Aussi difficile et écrasant que Conséquence est à regarder parfois, en particulier avec ses représentations documentaires des crimes haineux endurés par les personnages, Petersen juxtapose de manière vivante le paysage austère et le cœur battant de son histoire d’amour contre toute attente. Alors que Petersen ne ferait jamais un film comme celui-ci pendant son mandat lucratif à Hollywood, bon nombre de ses caractéristiques narratives remontent à son excellent drame.


Le bateau (1981)

La tension des articulations blanches traverse Le bateaugrâce à l’habileté de Petersen à gérer l’une des histoires vraies les plus déchirantes (et troublantes) de la Seconde Guerre mondiale. Contrairement à la plupart des films tournés pendant cette période, Le bateau fonde ses frissons sous-marins à combustion lente sur le dos de l’ennemi – un équipage de U-Boat allemand – alors qu’ils luttent pour naviguer dans une guerre qui transforme les mers glacées en champs de bataille brûlants. Plus les marins restent longtemps sous l’eau, plus ils se sentent ensevelis dans les parois métalliques de leur sous-marin, et c’est ici dans cet autocuiseur claustrophobe et moralement lourd que Petersen utilise des gros plans implacables et en sueur pour vraiment livrer un film sous-marin pas comme les autres.

Petersen, qui a remporté les nominations aux Oscars du meilleur réalisateur et du meilleur scénario pour le film, ne fait pas l’éloge de ses compatriotes allemands. Au contraire, il les peint avec une lentille objective « c’est-ainsi-que-l’autre-demi-vie ». Au lieu de reléguer ces hommes à une note de bas de page glorifiée dans les pages de l’histoire de la Seconde Guerre mondiale, le réalisateur explore le bilan émotionnel de leur mission tout en secouant les os du public comme des grenades sous-marines.


L’histoire sans fin (1984)

Oui, Petersen est responsable de la cicatrisation de nombreux enfants des années 80 avec la mort du puissant coursier d’Arteyu, Artax, en L’histoire sans fin. Son approche sans coup de poing pour s’adapter Livre pour enfants Michael Ende investit son riche monde fantastique avec réel enjeux, en tant que garçon maladroit, Bastian (Barret Oliver) se séquestre pour lire sur la disparition imminente de Fantasia aux mains de la vulpine Nothing. Ce faisant, Bastian se retrouve, dans une tournure méta-y, à devenir un personnage clé de l’histoire même qu’il raconte.

Soutenu par des effets de marionnettes physiques impressionnants (Falkor le dragon de la chance gifle toujours) et une partition de synthé émouvante de Klaus Doldinger et Giorgio Moroder, Petersen navigue dans plusieurs changements de ton difficiles (certains avec plus de succès que d’autres) avec une prise unique et sans faille sur la bataille d’un enfant pour un monde fictif dont les enjeux ne sont rien de moins que les limites de son imagination.


Dans la ligne de feu (1993)

Les thrillers du chat et de la souris ont culminé avec le hit de l’été 1993 Dans la ligne de feu avec Clint Eastwood, Rene Russo et John Malkovich. Ce dernier a été nominé pour l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle (et le film a reçu un hochement de tête pour le meilleur scénario original) pour son interprétation du psychopathe Mitch Leary, un ancien assassin « wet boy » de la CIA qui se moque de l’agent des services secrets vétéran Frank Horrigan (Eastwood) avec téléphone appels menaçant d’assassiner le président fictif du film. Un Frank coupable était de service à Dallas lorsque JFK a été tué, et les trois coups de feu qui ont retenti ce jour-là à Daley Plaza résonnent encore en lui alors qu’il se précipite pour arrêter Mitch avant de se retrouver debout sur la tombe d’un autre président décédé.

Le gobelet sûr d’un script de Jeff Maguire (selon la rumeur, Aaron Sorkin aurait donné un vernis de dialogue) s’enclenche si bien qu’on pourrait supposer que tout ce qu’un réalisateur a à faire est de se présenter, d’allumer la caméra et de percevoir un chèque de paie facile . Mais tourner ces cadrans pour fournir la quantité exacte de tension dont chaque scène a besoin n’est pas facile, même si l’orchestration de Petersen le rend sans effort. Aussi efficace qu’il soit avec des scènes de poursuite passionnantes et un travail de détective sur le terrain, le réalisateur brille vraiment par son exécution des moments plus petits, plus intimes (et parfois drôles) entre Frank et son amour, l’agent Raines (Russo ) – dont le meilleur exemple est une confession du deuxième acte où Frank, rétro-éclairé par un paysage nocturne triste à l’extérieur de sa chambre d’hôtel du centre-ville de Los Angeles, laisse échapper 30 ans de regret et de chagrin accumulés en partageant avec Raines ce qu’il a vu ce fatidique jour à Dallas le 22 novembre 1963.

Eastwood livre sans doute sa performance d’homme de premier plan la plus vulnérable de tous les temps, tremblant de larmes en racontant pourquoi cet « épuisement professionnel aux compétences sociales douteuses » reste en service actif, courant aux côtés des cortèges présidentiels dans l’espoir qu’il puisse un jour prendre une balle qui a pris trois décennies pour atteindre sa cible. La mise en scène discrète de la scène par Petersen, associée à la cinématographie minimaliste de John Bailey, laisse le moment se dérouler avec un impact émotionnel maximal – une signature des films hollywoodiens de Petersen qui met l’accent sur son don pour le divertissement du pop-corn pour une charge utile chargée d’émotion.


Air Force One (1997)

Air Force One, le deuxième plus grand succès commercial de la carrière de Petersen, est aussi son plus pop-corn. Le film illustre son aptitude à mettre en scène des actions à gros budget, axées sur les stars et adaptées aux multiplexes, tout en s’efforçant de n’être rien de plus que « Mourir dur dans l’avion du président. C’est la version la plus divertissante et la plus accessible de cette histoire, celle qui aurait pu être racontée avec des performances téléphoniques ou des décors trop cuits. L’approche Old School Hollywood de Petersen rencontre le matériau là où il se trouve ici. De plus, il s’écarte sagement du film pour que le public obtienne ce qu’il a payé pour voir : Harrison Ford frappant et tirant sur des terroristes à 35 000 pieds. (Les affiches ont souligné cet élément, commercialisant le film avec des gros plans extrêmes de Ford tenant une mitrailleuse au-dessus du slogan «Prenez tout mon argent maintenant» de «Harrison Ford est le président des États-Unis». )

Alimenter la tension à mi-vol est une histoire B vertigineuse sur le terrain, alors que le vice-président (Glenn Close, dans une performance à pleine gorge) lutte pour naviguer dans la politique de la Maison Blanche tout en répondant aux demandes du terroriste russe Gary Oldman de libérer le général emprisonné Radek (Le bateaude Jürgen Prochnow). Malgré le CG maladroit et précipité de l’avion qui s’écrase lors de la finale, Air Force One offre exactement le type de films d’été adaptés aux adultes que souhaite Hollywood et le type de film que Petersen était le roi de la réalisation.