Henry Selick est le directeur de Le cauchemar avant Noël, James et la pêche géante, Coralineet le nouveau film Netflix Wendell et sauvage, mais il a souvent été éclipsé par Tim Burton, Roald Dahl, Neil Gaiman et Jordan Peele. Non pas que les contributions de Selick aient été minimisées, mais d’autres personnes reçoivent souvent la part du lion du mérite du succès des films de Selick, qui partagent tous une imagination fébrile, des visuels inventifs et un sens de l’humour espiègle agrémenté d’une émotion sincère.
Le club audiovisuel a récemment rencontré Selick au SCAD Savannah Film Festival, où il a parlé avec une honnêteté peu commune de son travail passé et présent, et des personnes qui ont travaillé avec lui. En plus de parler de sa collaboration avec Burton sur la percée Cauchemar avant NoëlSelick a réfléchi aux changements dans le domaine de l’animation, a corrigé le dossier sur les outils qu’il utilise et n’utilise pas, et a proposé quelques idées d’inventions qui, selon lui, pourraient devenir la voie de l’avenir – si seulement il en avait le crédit il mérite.
Henri Selick : [Walking into the room] Je dois juste trouver un morceau de papier pour cracher mon chewing-gum ici. J’ai cette idée de recycler la gomme. Parce que c’est un tel gâchis. C’est illégal à Singapour. Donc je suppose que vous l’avez comme une petite capsule. Vous avez votre chewing-gum frais, et puis partout le long de la rue, il y a des petits réceptacles. Vous mettez votre capsule de chewing-gum déjà mâché et obtenez votre nouveau, puis ils le prennent et le nettoient et le re-sucre. C’est une idée d’un milliard de dollars. C’est comme si, pendant toutes ces années, j’ai toujours essayé de convaincre l’équipage que nous devrions porter des uniformes, comme des combinaisons – vous avez trois changements par semaine et des vestiaires et tout ça. Mais les créatifs ne veulent pas porter d’uniformes ! Mais je continue d’essayer.
The AV Club : Vous avez une voix si forte dans votre travail d’animation, et pourtant une grande partie du mérite revient à d’autres personnes. Il y a des gens qui pensent que Tim Burton a réalisé Le cauchemar avant Noël.
SH : Ouais, j’ai gagné beaucoup de paris au bar.
AVC : Y a-t-il une impulsion pour que vous vous en remettiez à cela, ou pensez-vous que la collaboration le nécessite d’une manière ou d’une autre ?
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SH : Non, c’était un peu injuste parce que ça ne s’appelait pas Le cauchemar de Tim Burton jusqu’à trois semaines avant la sortie du film. Et j’aurais été d’accord avec ça, si c’est pour ça que je me suis inscrit. Mais Tim était à Los Angeles pour faire deux longs métrages pendant que je réalisais ce film, et je veux dire, Tim est un génie – ou il était certainement dans ses années les plus créatives. J’ai toujours pensé que son histoire était parfaite et il a conçu les personnages principaux. Mais c’est vraiment moi et mon équipe de personnes qui ont donné vie à cela. Maintenant, bien sûr, si vous demandez Danny Elfmanneh bien, c’est son film [Laughs]. Quand nous avons fini le film, c’était tellement drôle parce qu’il s’est approché de moi et m’a serré la main. « Henry, tu as fait un travail formidable en illustrant mes chansons ! » Et il était sérieux, et j’ai adoré ça ! Bien. Mais mon truc, c’est que je vais rester assez longtemps pour que les gens disent : « Oh, ce type Henry, il fait des trucs. » Et donc à long terme, surtout avec Coraline et ce film, je veux dire, Coraline est basé sur un très bon livre de Neil Gaiman. Cela n’a pas fait de mal. À ce sujet, mon collaborateur est Jordan Peele—et c’est la raison pour laquelle nous avons pu mettre cela en place. Donc j’aime vraiment, vraiment collaborer. Mais c’est moi qui dirige l’équipe pour faire le film.
AVC : À votre point de vue, bien que vous ayez réalisé Wendell et sauvage, les personnages ressemblent à Key et Peele. Le travail que vous avez fait a un look incroyable, très inventif et légèrement espiègle – dans quelle mesure cela vient-il de vous et dans quelle mesure amplifiez-vous ce qui vient de quelqu’un comme Jordan Peele ?
SH : Une grande partie vient de moi. L’histoire originale était la mienne il y a 20 ans. Il a été inspiré par mes fils adultes. Quand ils étaient petits et agissaient mal, je les ai dessinés comme des démons. J’ai écrit une histoire de sept pages, et le film qui en est ressorti avec une énorme contribution de Jordan est toujours basé sur cela. Je suis en fait très doué pour les gags visuels, pour créer de l’humour visuel, et c’est quelque chose pour lequel nous sommes connus dans l’animation. Mais je suis très ouvert à ce qu’est le reste de l’entrée. J’ai choisi de faire ressembler les démons à Key et Peele. J’avais l’impression que, d’une certaine manière, ce serait comme si je revenais dans la série. Key et Peele ont pu jouer n’importe quel genre, n’importe quel âge, n’importe quelle situation, se transformer totalement. Et je me suis dit que ce serait une transformation encore plus grande.
Quand j’ai dit que je voulais faire des caricatures d’eux, ils ne voulaient pas faire ça au départ. Et puis j’ai dit : « Non, non, non, ça ne va pas être idiot. J’avais cet artiste, Pablo Lobato, qui est probablement le caricaturiste le plus artistique au monde, et je lui ai demandé de travailler sur eux, puis ils étaient tous les deux à bord. Et certainement ils apportent beaucoup de magie dans le studio d’enregistrement. Il y a toujours un script, puis ils improvisent, et je dirais que beaucoup des lignes les plus drôles d’eux sont la petite chose supplémentaire qu’ils ont dite après la ligne principale. Je veux dire, honnêtement, nous avons travaillé dessus ensemble, puis il est parti faire Sortez. Il avait vraiment peur que ça bombarde, et qu’on ferait mieux de sortir et de s’installer Wendell et sauvage. Et j’ai dit, non, tu ne peux pas t’en inquiéter. Je lirais le script. Je savais que c’était bien. Puis le monde a changé. C’est un film incroyablement bon, Sortez, et fait incroyablement bien. Tout ce qui a fait était de nous aider à mettre en place pour faire Wendell et sauvage la façon dont nous voulions le faire.
AVC : Dans ce médium, il semble qu’il y ait très peu de place pour l’improvisation. Comment intégrer cette créativité très intuitive dans un processus d’exécution nécessairement rigide ?
SH : Lors de la première session d’enregistrement avec eux, ils n’avaient pas travaillé ensemble depuis un petit moment. La série était terminée et ils étaient tous les deux partis faire tout ce qu’ils faisaient, y compris le film de Jordan, parce que nous n’enregistrions pas avant d’avoir monté le film. Et vous leur donnez beaucoup d’espace pour jouer pour trouver les personnages, car ils ont 100 approches différentes – et vous le réduisez à environ 20, puis cinq et parfois ils prennent juste une ligne et ils peuvent riffer sur la lecture d’une ligne pour toujours et c’est toujours drôle. Il s’agit donc principalement de leur donner la possibilité de trouver les personnages sur lesquels on peut s’entendre et qui leur donnent quelque chose à quoi s’accrocher. Vous rejouez toujours, cinq mois plus tard, le temps d’une autre session. Vous devez leur jouer ce qu’ils ont fait avant de se remettre en phase avec eux-mêmes. Mais aussi à partir de ce moment-là, je peux réécrire et retravailler les dialogues pour être plus en phase avec les personnages qu’ils ont contribué à créer. Je dirais qu’après ça, c’était toujours à propos d’un peu de zinger qu’ils ajoutaient.
Et aussi j’enregistre ‘alts.’ Souvent, j’aurai quatre façons différentes de dire quelque chose, parce que je ne sais pas jusqu’à ce que je l’entende quelle est la meilleure façon. Nous enregistrerons donc tous les alts et nous ferons des allers-retours, puis l’un d’eux proposera toujours quelque chose. Ce n’est pas drôle en dehors du film, mais Kat se plaint de l’accord qui a été conclu entre les démons et ils sont censés élever ses parents, et Wild dit : « Tce n’est plus comme ça qu’on fait. C’est évidemment lui qui riffe, essayant de ne pas faire ce qu’ils ont convenu de faire. Et il y en a beaucoup partout. Juste un peu ici ou là qui le rend meilleur, le rend plus drôle.
AVC : Votre forme d’art est si merveilleusement anachronique, et je pense que c’est la raison pour laquelle votre travail perdure. À quel point avez-vous voulu incorporer des outils contemporains comme CGI pour amplifier le processus ?
SH : Après Coraline, toutes ces années plus tard, j’avais un autre projet, mais il a été arrêté. J’ai travaillé très dur pour revenir en arrière pour que cela se sente et soit plus fait à la main, pour vraiment montrer le fait que ce sont les animateurs qui touchent ces marionnettes et les reposent. Il n’y a pas d’ordinateurs entre les deux. Il n’y a pas d’assistants animateurs car à quoi bon faire ça si ça ressemble à du CG ? Ou si nous utilisons CG, nous en utilisons le moins possible. Nous utilisons essentiellement les mêmes techniques que Ray Harryhausen a utilisées pour donner vie aux personnages. Mais cela ne veut pas dire que je n’utilise pas la technologie moderne. Nous tournons en numérique. Nous pouvons stocker l’intégralité de la prise de vue et la rejouer. Nous pouvons faire voler un personnage ou le faire sauter, et le mettre sur une plate-forme métallique que nous pouvons contrôler, puis le peindre en post. Nous avons compilé beaucoup d’arrière-plans, des mouvements de nuages, du feu, beaucoup d’atmosphères sont faites en CG.
Mais 95% de toute l’animation n’est pas CG, pas du tout. Et puis la seule scène, nous avons travaillé très dur pour qu’elle soit basée sur l’animation 2D : il y a la chambre de rédemption où Kat doit faire face à tous ces mauvais souvenirs, les ombres de ces choses, le monstre de l’ombre. Et nous avons expérimenté la meilleure façon de le faire. Au final, nous avons utilisé CG, mais nous avons cassé les plates-formes. Nous n’avons pas utilisé de plates-formes CG régulières. Je voulais honorer le design et le faire sentir comme ça, plus que des personnages CG réguliers et entièrement arrondis. J’adore les films CG, certains d’entre eux. J’aime le dessin à la main. J’aime presque tous les types d’animation, si c’est vraiment bien. Mais je sentais qu’il était important de ne pas s’y fier. Nous n’allons pas faire une scène de foule en utilisant CG. Comme retourner à Coraline– nous avions 150 chiens Scottie dans un théâtre. J’avais tout un cirque de souris sauteuses jouant des instruments et bougeant. Rien de tout cela n’est CG. Parce que je savais que ce serait juste un CG médiocre. Mais si c’est du stop motion, j’ai trouvé des moyens de le tromper où les souris sautantes sont toutes des animations de remplacement. Donc, chaque souris, il y a six versions d’entre elles alors qu’elles soufflent du trombone et sautent de haut en bas, et nous pourrions les faire défiler encore et encore pendant qu’elles se déplacent. Et avec les chiens, seuls ceux qui sont présentés ont de grandes capacités d’animation, mais ils pourraient tous au moins hocher la tête.
AVC : Vous avez parlé du génie de Tim Burton, et vous avez travaillé avec Wes Anderson et Jordan Peele. Y a-t-il des partenaires qui ont été de particulièrement bons collaborateurs ?
SH : Je vais juste le parcourir à nouveau. Tim Burton a eu très peu à voir avec le making of Cauchemar avant Noël. Mais c’était son idée. C’était ses conceptions de personnages. Mais il m’a confié car il me connaissait ainsi que le responsable des storyboards, Joe Ranft. Mais c’est mon équipe à San Francisco qui a fait ça. Il s’est présenté à la fin avec un monteur et a coupé quelques trucs pour resserrer le film. Sur James et la pêche géante, Tim était un producteur, mais il n’était pas vraiment là. Et j’ai eu une bataille avec un horrible directeur de Disney, ce type David Vogel, qu’il pourrisse en enfer, qui a tellement sucé le film à cause de son ego que ça a blessé le film. Maintenant, avec Wes [on The Life Aquatic With Steve Zissou], j’ai été embauché pour créer des personnages CG. Je les ai conçus. J’ai monté une petite équipe, et c’était merveilleux. Il aimait ce que je faisais. Et donc nous avons scénarisé et essentiellement nous faisions cela en Californie. Il tournait en Italie. Je dois aller en Italie et traîner. Mais encore une fois, j’étais un employé parce qu’il aimait ce que je faisais, donc il n’y avait pas beaucoup d’allers-retours du tout.
Coraline, c’est tout moi. J’ai écrit le scénario. J’ai trouvé un distributeur pour le film. Je veux dire, j’avais beaucoup sur mes épaules. Et avec Jordan, c’est 90% moi et 10% lui au maximum. Mais il a joué un rôle déterminant au début en aidant à façonner le monde et les personnages, puis avec son succès, en nous aidant à mettre en place le film sur Netflix. Ce ne sont donc pas des relations égales. Ce sont mes films et d’autres personnes ont contribué, dans certains cas plus qu’une personne similaire sur autre chose.
AVC : Ce genre d’animation se fait de plus en plus rare. Selon vous, qui a l’esprit pour continuer à faire de l’animation en stop-motion ?
SH : Le stop-motion pour les longs métrages, ça va et vient depuis Cauchemar. Cauchemar était ce genre de nouveauté, c’était un cadeau à Tim Burton pour le faire revenir et faire de gros blockbusters pour Disney, fait à bas prix, a fait son argent et semblait tout simplement disparaître. Et puis il a pris cette vie après la mort monstrueuse pour toujours et à jamais. Mais au milieu de James et la pêche géante, Histoire de jouet est sorti, et les gens de Disney m’ont dit que nous ne pensons plus que ce soit un moyen viable de faire des films. Nous n’avons donc en quelque sorte reçu aucun soutien ou quoi que ce soit. Et Histoire de jouet est incroyable! C’est une telle percée. Mais leur attitude était, c’est le CG qui le fait. Alors c’est venu et c’est reparti. je dois faire Coralineet puis il y a eu environ trois films en stop motion et aucun d’eux n’a eu autant de succès que Coraline—y compris ceux de Tim Burton Frankenweenie. C’était le moins réussi. Donc, c’est comme si on me blâmait à nouveau – oh, c’est ce stop motion. Non, mon film a réussi. C’est juste, où l’argent veut aller ? Il veut toujours miser sur la chose la plus sûre.
En ce moment, c’est vraiment un bon moment. Mon film sort sur Netflix, et jusqu’à présent, nous avons reçu une excellente réponse critique, et les projections auxquelles j’ai assisté, la foule semble le manger. Chez Guillermo del Toro Pinocchio sort, et c’est magnifique et puissant. Il y aura un autre film d’animation d’Aardman qui sortira dans quelques mois. Je pense que les choses pourraient être différentes à cause du streaming. Je pense que ces films ont plus de temps pour trouver leur public. Et les gens ont eu des décennies d’animation CG hyper lisse et d’effets spéciaux. Ils n’ont pas forcément besoin de ça. C’est juste ce qui a été décidé, c’est ce que nous devons leur donner. Mais en fin de compte, je pense que les gens sont intéressés par tout ce qui est bon, avec quelque chose d’innovant dans l’histoire et les personnages, que nous avons totalement avec Wendell et sauvage. Je suis donc optimiste pour le moment.
Maintenant, Laika est une situation unique. Travis Knight, qui se trouve être l’un des meilleurs animateurs en stop-motion qui ait jamais vécu, je veux dire quoi que vous puissiez dire pour ou contre lui, il a un don divin en tant qu’animateur et aime le stop motion. Il va continuer longtemps. Mais je pense qu’il y aura plus de films en stop-motion. D’ici février, je pense que nous aurons une idée de plus à venir. Premièrement, passer le flambeau, il y a tellement de jeunes qui le font, vous pensez, sont-ils fous ? Il n’y a pas d’avenir. Mais ils adorent le faire. Les enfants qui sont en huitième année, les collégiens, ils apportent ces marionnettes ou ces personnages ou du papier d’aluminium ou de l’argile, ils peuvent lui donner vie. Et la technologie est tellement bon marché et facile que je pense que les gens seront toujours là, et ils arrivent. Mais il y a certainement des réalisateurs plus jeunes. S’il m’arrive de faire un autre projet, je serai peut-être un réalisateur superviseur ou simplement un producteur superviseur. Il y a quelques personnes qui, je pense, sont prêtes à le faire. Je sais qu’il y a déjà des jeunes qui pourraient réaliser. Je suis donc heureux d’avoir pu faire ce film. Ce pourrait être mon dernier, mais je serais également heureux d’en lancer un autre. Parce que l’équipe avec qui je travaille le veut. Sur ce dernier en particulier, nous avons vraiment sympathisé. C’était dur, dur, dur. La pandémie nous a fermés. Mais à l’autre bout du fil, presque tout le monde a dit que c’était la meilleure expérience de travail de sa vie. Et je n’ai pas entendu ça depuis Cauchemar avant Noël.
AVC : Mais pas assez bien pour leur faire porter des uniformes, je suppose.
SH : Non! Ils ne feront jamais ça [Laughs].
Jeanne est une journaliste de 27 ans qui se passionne pour le cinéma et la culture pop. Elle adore dévorer des séries Netflix et se tenir au courant des dernières news sur les célébrités du moment. Jeanne a toujours été intéressée par l’écriture, et elle aime travailler comme journaliste car cela lui permet de partager sa passion pour la narration avec les autres.