Wes Anderson appartient à un groupe de cinéastes qui ont émergé dans les années 1990 avec des impulsions stylistiques caractéristiques et tout à fait uniques qui sont passées des longs métrages indépendants à micro-budget aux principaux prétendants à la saison des récompenses. Scénaristes/réalisateurs comme Quentin Tarantino, David Fincher, Paul Thomas Anderson, Guillermo del Toro, Danny Boyle, Kevin Smith, Christopher Nolan, John Singleton, et Robert Rodríguez tous sont passés d’un statut culte à un nom connu après quelques succès, et chacun d’eux a inspiré d’innombrables imitateurs qui tentent de reproduire certaines des mêmes qualités.
Bien qu’il existe de nombreux thrillers policiers qui peuvent être décrits comme « à la Tarantino », de nombreux thrillers psychologiques qui adoptent l’approche de Fincher, de nombreux imitateurs du dialogue de Smith et de nombreux films de genre à haut concept décrits comme des descendants de Nolan, il n’y a pas quiconque a été capable de capturer cette qualité insaisissable qui définit un film « Wes Anderson ». Anderson peut parfois être considéré comme un favori des hipsters des cafés et des cinéphiles de Letterboxd, mais son approche kaléidoscopique du cinéma est quelque chose que personne d’autre ne pourra jamais maîtriser.
Wes Anderson a changé la donne depuis le tout début
Anderson a lancé sa carrière en jetant ses amis d’enfance dans le court métrage Fusée en bouteille, qu’il a ensuite adapté dans son premier long métrage de réalisateur. Le film est un thriller décalé qui suit le criminel en herbe égoïste Dignan (Owen Wilson) alors qu’il convainc son ami Anthony en détresse mentale (Luc Wilson) pour réussir le vol d’une unité de stockage. Semblable à des films comme Chiens de réservoir ou Greffiers, Fusée en bouteille était une annonce immédiate d’une voix cinématographique signature qui a établi les caractéristiques de la carrière d’Anderson. Fusée en bouteille n’essayait pas de tirer profit de l’engouement pour le « thriller policier néo-noir des années 90 » qui avait conduit au succès de Les suspects habituels, les Saints Boondock, et Serrure, réserve et deux barils fumants; en fait, c’était comme si Anderson était subversif dès le début de sa carrière.
Il avait un sens de l’humour aiguisé et mordant qui reposait sur des idiosyncrasies, tout en laissant la place à des moments plus sombres. L’histoire se déroule comme une fable, et chaque complication n’est composée que pour un effet comique. Il y a une affinité pour la nostalgie, mais Fusée en bouteille est clairement une version postmoderne d’un thriller avec son choix de bande sonore éclectique. Bien sûr, il y a le style visuel qui a fait d’Anderson une icône parmi les snobs de l’art ; son cadrage symétrique, ses mouvements de caméra plats, ses motifs de couleurs saisissants, son architecture artisanale et ses zooms instantanés occasionnels ont eu un impact si immédiat qu’ils ont inspiré d’innombrables imitateurs. Il est facile de prendre ces techniques manifestement remarquables et de penser qu’elles constituent tout le style d’Anderson, mais Fusée en bouteille a un sens profond de la tragédie qui ne deviendrait que plus important dans les travaux ultérieurs d’Anderson.
Fusée en bouteille est finalement une histoire d’idéalisme fané; Dignan se rend compte qu’il n’est pas un maître voleur, et Anthony ne « guérit » jamais vraiment de son tourment psychologique. Devoir se contenter de votre réalité est une leçon que presque tous les protagonistes d’Anderson suivent; Max Fisher (Jason Schwartzmann) ne trouve pas l’amour dans RushmoreRoyal (Gène Hackman) doit vivre avec un dysfonctionnement dans Les Tenenbaum royauxGustave (Ralph Fiennes) paye le prix de ses indulgences dans Le Grand Budapest Hôtel, et même M. Fox (George Clooney) doit devenir un « père de famille » d’ici la fin de Fantastique M. Fox. Cette reconnaissance du destin donne à ces histoires un sens du réalisme ; ils n’ont été filtrés qu’à travers le point de vue unique d’Anderson.
Wes Anderson a des protagonistes imparfaits
Alors que les protagonistes d’Anderson ont tendance à être immatures, arrogants ou dans une autre période de transition, ses films ne célèbrent pas ce genre de comportement adolescent. Anderson s’amuse à voir des personnages comme Max Fischer dans Rushmore se délecte de sa propre obsession de la compétition, mais le film se moque de lui, pas de lui. Steve Zissou (Bill Murray) est une secousse complète dans La Vie Aquatique Avec Steve Zissou dont l’arrogance lui coûte des amitiés personnelles, et de même l’auto-indulgence de Royal se voit dans l’effet qu’elle a sur ses enfants en Les Tenenbaum royaux. Il y a une ligne fine entre la représentation et l’approbation qu’Anderson a appris à marcher.
Il est également à noter que dans les films d’Anderson, l’idéalisme chaleureux est célébré pour sa rareté. Dans L’île aux chiens, une dictature fasciste est renversée par le pouvoir de l’amour d’un jeune garçon pour son chien ; dans Royaume du lever de la lunela passion d’enfance de Sam (Jared Gilman) et Suzy (Kara Hayward) expose les enjeux fondamentaux dans toutes les institutions qui les entourent. Cependant, de nombreux héros d’Anderson paient finalement le prix de leurs efforts pour insérer la compassion dans le monde; L’exécution de Gustave aux mains d’officiers militaires hostiles à la fin de Le Grand Budapest Hôtel reflète tristement comment les horreurs de la guerre ont érodé sa génération à l’élégance flamboyante et maniérée.
Les films de Wes Anderson ne cessent de s’améliorer
Contrairement à certains de ses contemporains, Anderson a fait preuve d’une maturité accrue en vieillissant. Toutes ses tentatives pour avoir un esprit plus ouvert n’ont pas été efficaces; tandis que ses intentions de célébrer la culture indienne dans La Darjeeling Limitée semblent sincères, le film finit par se conformer aux clichés du « sauveur blanc ». Cependant, Anderson a montré avec Le Grand Budapest Hôtel et L’île aux chiens qu’il pouvait aborder des thèmes comme la xénophobie, le fascisme et la radicalisation de manière poignante et réfléchie où son excentricité ne semblait pas superficielle. Son dernier film La dépêche française est peut-être sa thématique la plus ambitieuse à ce jour ; qui parvient à aborder la masculinité toxique sur les campus universitaires, la culture de protestation, les relations problématiques entre artistes et muses et les abus au sein du système carcéral dans un film qui célèbre l’importance de la presse libre.
La capacité d’évoluer et d’essayer de nouvelles choses est le signe d’un grand artiste, et Anderson continue d’appliquer son point de vue unique à des projets personnels. Il est l’un des rares cinéastes «d’auteur» qui peut encore inspirer l’intérêt du public en se basant uniquement sur son nom, et il n’a jamais répondu aux caprices des obsessions de la culture pop d’aujourd’hui en travaillant sur un film de grande franchise. Il n’y a peut-être pas d’autre réalisateur qui puisse obtenir des castings d’ensemble aussi empilés que celui d’Anderson pour chaque projet sur lequel ils travaillent. Bien qu’il soit triste qu’il n’y ait jamais d’autre Anderson, cela ne fait que rendre ses projets à venir comme Ville d’astéroïdes plus excitant.
Jeanne est une journaliste de 27 ans qui se passionne pour le cinéma et la culture pop. Elle adore dévorer des séries Netflix et se tenir au courant des dernières news sur les célébrités du moment. Jeanne a toujours été intéressée par l’écriture, et elle aime travailler comme journaliste car cela lui permet de partager sa passion pour la narration avec les autres.