À travers son étonnante trilogie de vengeance—Sympathie pour M. Vengeance, Vieux garçon et Dame Vengeance—ainsi que le thriller érotique luxuriant La servante, le maître sud-coréen Park Chan-wook pourrait être le plus associé à des histoires labyrinthiques complexes qui tournent autour de la violence et du sexe. Mais au cœur de ses sorties cinématographiques sur grand écran se trouve un esprit romantique. Parler à Le club audiovisuel lors de la course du New York Film Festival pour son dernier film Décision de partir, il explique à quel point ce serait bien si d’autres personnes le considéraient également comme un romantique, quand je l’appelle un. « Quand je dis que je suis un cinéaste romantique qui fait des films romantiques, les gens se moquent généralement de moi », se souvient-il. « Je pense que c’est pour deux raisons. La première étant que la violence et le sexe prennent parfois le pas sur tous les autres éléments de mes films. Et un autre est que mes films sont des films de genre très forts. Thrillers policiers ou d’horreur. Alors parfois, les gens oublient que je raconte essentiellement des histoires d’amour.
Même pour ceux qui ont peut-être déjà manqué les courants émotionnels sous-jacents du réalisateur Park, il ne fait aucun doute que l’exquis Décision de partir pour autre chose qu’une histoire d’amour magnifiquement construite et mystérieuse; celui qui suit un gentil détective (Park Hae-il) alors qu’il tente d’enquêter sur un meurtre dans lequel la belle Seo-rae (Tang Wei) aurait pu être impliquée.
Dans cette conversation sur Décision de partirle réalisateur Park parle de son œuvre et de ses réflexions sur une Académie des arts et des sciences du cinéma (AMPAS) plus internationale.
Le club audiovisuel: Dans Décision de partirvous semblez avoir réduit certains éléments incontournables de votre cinéma comme l’érotisme explicite et la violence graphique.
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Park Chan-wook : Je ne sais pas exactement où cette pensée a commencé, mais pour ce projet, je voulais faire un film très classique. Classique, pas démodé. Je voulais faire un film dont on ne se lasse pas même après l’avoir vu plusieurs fois. Celui qui ne vieillit pas avec le temps. Pour ce faire, j’ai dû partir d’un cadre plus commun, afin de ne pas perdre de temps à présenter le monde au public. Au lieu de cela, nous pouvons passer ce temps à traverser le voyage : partir de ce lieu commun, voir où cela mènerait. Il n’y a rien de plus commun qu’un détective qui tombe amoureux de son suspect.
Le public peut s’asseoir et observer le voyage de l’amour entre les deux personnages, un détective et un suspect, qui ne révèlent pas beaucoup leurs émotions. Ils cachent leurs véritables émotions. Donc, pour avoir un aperçu de ce qu’ils ressentent réellement, vous devez observer les changements délicats dans leurs expressions faciales. Et j’ai pensé que l’ajout d’éléments plus explicites comme la violence ou la nudité pourrait éloigner le public de cela.
AVC : Je veux parler de ça, tu veux faire un film classique. Je n’arrêtais pas de penser aux références du vieil Hollywood comme Alfred Hitchcock, en particulier vertige. Aviez-vous de telles références dans votre esprit, celles auxquelles vous vouliez apporter votre propre langage ?
PCW : La réponse à cette question est à la fois oui et non, croyez-le ou non. Je n’ai jamais pensé vertige ou Hitchcock quand je faisais le film. Pas seulement pour ce film, mais en général dans mon processus de création, je ne fais pas ça. Je ne pense jamais à un film ou à un cinéaste en particulier. Je pense que c’est lié au fait que j’ai une mauvaise mémoire. Je ne me souviens pas clairement des films que j’ai regardés, il est donc difficile de s’en sortir.
Les nombreux films que j’ai regardés tout au long de ma vie se sont tous mélangés dans mon subconscient. Et je pense que c’est ce qui refait surface quand je fais mes films. Cela fonctionne de la même manière pour les morceaux de littérature. Je m’inspire de toutes ces choses. Pour aller encore plus loin, l’inspiration vient aussi des gens que j’ai rencontrés, ou des reportages que j’aurais pu regarder. Donc à partir de vertige jusqu’aux conversations informelles avec ma fille. Tous ces éléments sont des sources tout aussi importantes de mon inspiration.
AVC : En nous guidant à travers le processus d’enquête du détective Hae-jun, la plupart des cinéastes auraient montré des flashbacks lorsqu’il imagine une scène de crime dans son esprit. Mais tu nous montres en parallèle exactement ce qu’il voit dans l’instant.
PCW : S’il ne s’agissait que du processus d’enquête, ce film aurait tourné différemment. Mais c’est à la fois un processus d’enquête et un film d’amour. Ces deux processus sont un processus unifié, c’est pourquoi j’ai fait ces choix. L’amour est l’émotion la plus immédiate et la plus importante que nous puissions ressentir. Vous pourriez raconter l’histoire à travers des réalisations logiques d’un flashback, mais je pensais qu’il était plus important de se pencher sur cette émotion momentanée, étape par étape.
La seule exception serait la dernière scène où Hae-jun pense: « Je n’ai jamais dit les mots Je vous aime.” Et il trouve la réponse à ce mystère grâce à un flashback lorsqu’il écoute la voix enregistrée. Résoudre un mystère concerne généralement d’autres personnes, mais dans ce cas, il écoute sa propre voix et résout son propre mystère. Et il se rend compte tardivement qu’il était si fier de son métier de policier. Mais après avoir découvert que Seo-rae est un meurtrier, il la laisse s’enfuir et lui dit même de se débarrasser de l’élément de preuve important. Alors en abandonnant que la fierté de son métier est mille fois plus puissante que Je vous aime.
AVC : La belle chanson du film « The Mist » semble tellement partie intégrante de l’intrigue. Je pensais que vous aviez peut-être commencé à construire l’histoire autour de cette chanson.
PCW : Personnellement, c’est l’une des chansons pop les plus célèbres de Corée avec laquelle j’ai grandi en écoutant. Au fur et à mesure que je vieillissais et que la chanson n’était plus populaire auprès de la jeune génération, je ne l’écoutais plus autant. Mais si quelqu’un me demandait : « Quelles sont certaines de vos chansons pop coréennes préférées ? », ce serait toujours dans la liste. Alors pendant que je faisais de la post-production pour Petite Fille Batteuse à Londres, j’ai eu le mal du pays et j’ai recommencé à écouter ces chansons. Et dans ce processus, j’ai découvert que mon chanteur coréen préféré l’avait couvert il y a quelque temps. Vous pouvez donc dire que ma chanteuse préférée et mon chanteur préféré ont tous les deux chanté cette chanson.
En réfléchissant aux paroles, j’ai eu l’idée de faire un film basé sur cette chanson, un film où vous entendez la version féminine que vous connaissez le mieux tout au long du film. Et à la fin du film on entend la version masculine : presque un cadeau surprise. Ce qui est intéressant, c’est que cette chanson a en fait été faite dans le cadre d’une bande originale d’un film coréen plus ancien. Et ce film est basé sur un roman que tous les Coréens connaissent. Il s’agit de ce qui se passe dans une ville remplie de brouillard. Alors Décision de partir est juste une continuation de ce long fil. Et la raison pour laquelle je n’ai pas fini sur la version masculine de la chanson comme je l’avais initialement prévu était que je craignais que l’histoire ne devienne trop centrée sur les hommes. Au lieu de cela, j’ai personnellement invité les deux chanteurs dans un studio pour enregistrer une version en duo de la chanson. Et je voulais que ça sorte comme une conversation. On peut presque dire que c’est la version coréenne de Diana Ross et Bob Dylan en duo.
AVC : Vos films ont toujours un sens de l’humour sournois. Même lorsque nous regardons quelque chose de graphique ou de tragique, l’humour est là. Quelle est votre philosophie sur l’utilisation de l’humour en général dans vos histoires ?
PCW : Je ne sais pas si je dois appeler cela une philosophie en soi. Quand je regarde d’autres films ou que je rencontre des gens tout au long de ma vie quotidienne, je trouve toujours quelque chose de comique et d’humour dans cette situation. Je le savoure, je trouve le bonheur à découvrir l’humour en eux. C’est la même chose quand je lis de la littérature aussi. Même dans les œuvres que la plupart des gens trouvent très sérieuses et sombres, je trouve en quelque sorte l’humour. C’est très facile de trouver de l’humour [in] Kurt Vonnegut. Mais je trouve aussi de l’humour chez Dostoïevski.
Et c’est pareil quand je rencontre des gens. C’est différent de se moquer d’eux. Je trouve juste en quelque sorte un élément humoristique dans nos conversations, que ce soit intentionnel ou non. Je pense que le même mécanisme fonctionne quand je fais mes films. C’est une méthode pour exprimer la totalité de la vie. Juste en se sentant faible, triste, en colère, horrifié ou heureux, quelque chose semble manquer avec ces émotions. Et si je ne fais qu’exprimer ces émotions, j’ai l’impression d’imposer une émotion particulière au public. C’est pourquoi vous avez besoin d’un sens de la distance, d’une objectivité, mais vous avez besoin de la bonne quantité, sinon vous serez poussé hors de cette histoire. Il y a donc une certaine forme d’attachement, mais il y a aussi un peu de distance.
Quelle est la ligne de démarcation entre la distance et l’attachement ? C’est quelque chose qui m’importe le plus quand je fais mes films. Et c’est aussi l’un des défis les plus difficiles. Mais si vous avez la bonne dose, vous pouvez avoir de la sympathie envers les personnages tout en ayant de l’objectivité. Et puis vous pouvez facilement trouver des moments comiques au sein de ces personnages. Par exemple, lorsque le personnage masculin dit au personnage féminin : « Je t’aime pour ta posture droite », il y a quelque chose d’amusant dans l’attitude sérieuse avec laquelle il dit cela. Alors vous riez quand vous vous attendiez à ce qu’il dise quelque chose de très élaboré et doux, parce qu’au lieu de cela, il dit stoïquement : « Oh, c’est juste la posture qui me plaît chez vous. » C’est drôle, mais aussi compréhensible. Il est logique qu’il trouve une attractivité à travers la posture. Donc, vous trouvez aussi un peu d’empathie là-dedans.
AVC : De l’humour, j’ai envie de passer à la mélancolie. C’est une qualité que j’aime le plus chez un personnage. Et pourtant, c’est peut-être la chose la plus difficile à capturer correctement à l’écran, quelque chose que vous faites si magistralement ici.
PCW : Il n’y a pas de méthode secrète spéciale pour cela. Nous avons simplement beaucoup de conversations ensemble jusqu’à ce que tout ait un sens. J’explique tout à mes acteurs. Nous débattons et révisons le scénario. Mais aussi, les acteurs que je choisis sont toujours des gens intelligents. C’est l’une des qualités les plus importantes que je recherche lorsque je lance un casting. Cela ne veut pas dire qu’ils sont intelligents dans le sens où ils ont fréquenté une université chic ou ont un doctorat. Mais cela signifie qu’ils sont observateurs et ont un grand sens de l’imagination. Je pense que le fait que l’acteur soit observateur et imaginatif est vraiment important pour moi. Parce qu’alors même quand j’écris les situations les plus absurdes, ils peuvent comprendre pourquoi ce personnage ferait ceci ou cela dans telle situation. Et après ces conversations, si l’acteur ne comprend toujours pas une certaine situation ou caractéristique, alors on s’en débarrasse dans le scénario. Donc ce que vous voyez à l’écran est le résultat de ce que les acteurs ont compris et approuvé.
La façon dont je juge si un acteur est un bon acteur est à quel point il peut embrasser différentes facettes de la psyché humaine. Un écrivain ou un acteur qui n’est pas aussi doué dans son métier est assez retenu par le rayon des émotions qui peuvent découler d’une certaine situation. Par exemple, si vous devez imaginer que la mère de quelqu’un est décédée, un écrivain ou un acteur qui n’est pas aussi bon imaginera simplement que le personnage pleure ou touche une photo… Mais quelqu’un qui peut embrasser des facettes plus différentes d’un la psyché humaine peut comprendre si le personnage veut penser à manger de la bonne nourriture le lendemain, ou veut embrasser son amant le lendemain. Ils peuvent imaginer cela et comprendre la psyché derrière cela.
AVC : Je me demande si vous pouvez partager quelques réflexions sur le récent boom populaire du cinéma sud-coréen aux États-Unis. Votre cinéma en est bien l’un des catalyseurs. Mais pensez-vous également que l’Académie et les Oscars deviennent plus mondiaux en sont une raison ?
PCW : Le peuple coréen a traversé de nombreuses difficultés au début du XXe siècle, mais cela s’est également accompagné du développement économique rapide qui s’est produit à cette époque. Ils ont donc vraiment vécu une histoire très dramatique menant à une gamme dramatique d’émotions que le peuple coréen dans son ensemble peut ressentir.
Et je pense que cela a permis au monde de ressentir cette gamme dynamique d’émotions qui en est ressortie. Donc je suppose que ce n’est pas seulement une bonne chose; c’est aussi le résultat d’une histoire douloureuse. Mais vous pouvez également dire qu’ils ont transformé la douleur en résultats étonnants. Et je pense vraiment que c’est incroyable que l’Académie se soit mondialisée ces dernières années. Ce n’est pas simplement une bonne tendance pour les cinéastes internationaux, mais cela sera très utile pour le public américain. Votre culture deviendra plus diversifiée et vous aurez une perspective plus large du monde. Et tout cela vous sera extrêmement utile.
Jeanne est une journaliste de 27 ans qui se passionne pour le cinéma et la culture pop. Elle adore dévorer des séries Netflix et se tenir au courant des dernières news sur les célébrités du moment. Jeanne a toujours été intéressée par l’écriture, et elle aime travailler comme journaliste car cela lui permet de partager sa passion pour la narration avec les autres.